(Biarritz, Francia, 1939 – París, Francia, 1990)

Gina Pane está considerada una de las artistas más significativas del body art. Su apellido, Pane (dolor en inglés) suponía toda una declaración de intenciones.

Gina Pane utiliza y pone a prueba su propio cuerpo como canal de comunicación artístico. Sus acciones están cargadas de un alto contenido agresivo y simbólico, presentando siempre una doble visión del cuerpo, por un lado, como objeto sexual y simbólico de fecundidad y por otro lado como vehículo de regeneración. 

A finales de los años 60, la artista inició una serie de intervenciones solitarias en el paisaje que confrontaban su cuerpo con la naturaleza. A partir de 1971, se expuso ante el público dibujando sobre su piel pequeñas heridas que, junto a la utilización de los más diversos materiales alegóricos -fuego, leche, carne, espinas…-, trataban los temas de la muerte, la indiferencia de la sociedad, el dolor, los alimentos y la problemática femenina. En estas acciones, la herida se convertía en elemento de reflexión sobre el dolor y la capacidad del cuerpo humano para expresar los sentimientos más profundos. A partir de 1984 profundizó en los mismos temas con trabajos escultóricos, que mostraban un desplazamiento del estudio de su cuerpo hacia los cuerpos de santos de la tradición cristiana, en su perseverante búsqueda de lo sagrado, que demostró en los últimos años de su vida.

De la auto-herida pasó a lacerar los materiales escultóricos: hierro, cobre, latón o cristal. El mismo discurso bajo una lectura mística que anticipará su muerte.

El trabajo de Gina Pane, es fundamental para comprender el desarrollo del arte como experiencia corporal. Un trabajo que se centra en un lenguaje único y corpóreo marcado por el ritual, el simbolismo y la catarsis. El cuerpo como elemento de comunicación, expresión y de creación fue una constante a lo largo de su carrera, permaneciendo en su práctica artística hasta su muerte en 1990.

A través de temas universales como el amor, el dolor, la muerte, la espiritualidad y el poder metafórico del arte, Pane buscó revelar y transformar la forma en que se nos ha enseñado a experimentar nuestro cuerpo en relación con el yo y los diferentes contextos. Ella definió el cuerpo como un lugar de dolor y de sufrimiento, de astucia y esperanza, de desesperación e ilusión. Con sus acciones buscaba reconectar tanto con las fuerzas del subconsciente, como con la memoria colectiva de la psique humana, lo sagrado y lo espiritual.

En todas sus acciones de naturaleza coreográfica, Pane se somete a intensas pruebas físicas y mentales, llegando a sentir el sacrificio y el riesgo estético como expresión de amor por los “otros”. Estas acciones fueron fotografiadas por Francoise Masson, a quien Pane proporcionó diagramas y bocetos detallados para indicar los momentos intensos que deseaba capturar con la cámara. Al crear tales escenarios predeterminados, Pane elevó el concepto de objeto artístico a experiencia vital, yendo en todo momento más allá de la mera documentación.